自现代主义诞生以来，艺术与音乐之间的相互作用就极大地推动了新艺术形式的发展。本文将考察这种现代协同作用的前历史。与媒体艺术网的其他贡献相比，这里的历史框架要大得多。主题的性质证明了这一点：自人类文化诞生以来就创造了人造图像和声音。因此，许多文献都提到了史前时期，或者至少是古代世界，这是非常正确的。但这里仍有大量的推测，而且通常是从完全现代的角度来重新解释甚至书写的。

这篇文章的方法将有所不同。我们将在简短回顾西方文化的过程中，使用艺术家们的理论陈述来说明这种在不同条件下开始的关系，是如何从艺术历史的角度改变了几个世纪，并导致所有艺术在平等的基础上共同工作的。这条路线将从古代和中世纪走向从古典艺术技巧到媒体艺术开始的过渡。

艺术与音乐-不平等的起点

在基督教中，西方音乐是七大自由艺术之一，即所谓的自由艺术，而美术仅被视为一种手工艺活动。音乐的崇高地位是建立在毕达哥拉斯哲学的基础上的，毕达哥拉斯用数学定律解释音乐理论，而数学定律在中世纪被宇宙学解释。在数学、几何学和占星术的帮助下，音乐构成了自由艺术中以数学为基础的四元体系，它被赋予了一个特殊的功能，作为微观世界和宏观世界之间的枢纽。

但就连柏拉图也认识到了眼睛和声音之间的特殊联系。自古代哲学时代以来，联觉（shared sensitivity）就成为认识论的话题。特别是巴洛克时期以来，它就一直是机器发明家和理论投机者（比如帕特•卡斯特尔）的一个实验领域。但是，本文在整个文化背景下，不会像联觉那样处理个别方面的问题。

中世纪神圣的艺术和音乐

艺术和音乐之间直接相互作用的西方根源在于基督教的礼拜仪式。教堂作为弥撒的场所，其建筑结构通过紧邻祭坛的唱诗班强调了音乐的特殊意义。音乐是弥撒庆典中不可缺少的一部分，祭坛的艺术装饰对于仪式过程至关重要。中世纪时，人们对宗教的虔诚令人炫目，需要用舞台来吸引所有的感官，比如一场宗教仪式：伴随着歌声、熏香和蜡烛的光芒，将礼拜仪式提升到高潮，而祭坛则是一幅图画作为背景。艺术贡献的多样性从乐器的装饰到赞美诗中的微型绘画，再到面板绘画。

礼拜仪式的顺序决定了艺术和音乐节目的内容。礼拜日历中固定的基督教节日并不仅仅决定礼拜歌唱的选择，它们还影响祭坛的图像。这尤其适用在中世纪广泛存在的对圣母和圣徒的崇拜。这导致玛丽的肖像画在面板绘画中得到扩展，在礼拜仪式中，尊敬上帝之母的赞美诗越来越多，这些赞美诗在适当的盛宴日子里演唱。圣人崇拜的一个特别引人注目的例子是科隆大师斯蒂芬•洛赫纳为三位国王的祭坛所作的祭坛绘画。

与普通人不懂的拉丁赞美诗和必须向外行解释的祭坛画的神学内容相比，一种更生动的表达宗教信息的方式随着神秘主义的兴起而发展起来。神秘剧，特别是复活节激情剧，从12世纪开始出现，并被证明是画家、雕刻家和音乐家活跃的沃土。他们激发了新的音乐和绘画作品。表演需要音乐伴奏，同时还设计出了新的仪式形象，例如棕榈主日剧中的激情屁股和圣母升天宴会中圣母玛利亚的雕像。音乐和艺术都有助于上演一场带有宗教内容的流行奇观。

书画、壁画和板画被视为流行音乐和器乐历史的重要绘画证据。但它们的目的不只是为了说明，而是为了指导。《大卫与竖琴》、《莎乐美之舞》和《天使军团演奏乐器》都是人们特别熟悉的圣经主题。在世俗的形象中，我们可以看到歌唱的游吟诗人、圆舞曲或音乐的人格化。

文艺复兴-竞争中的艺术

社会变革始于中世纪晚期：画家，雕塑家和建筑师开始被归类为艺术家。在文艺复兴初期，艺术开始相互竞争。在此之前，美术一直属于诸如音乐之类的自由主义艺术，但这遭到了才华横溢的莱昂•巴蒂斯塔•阿尔贝蒂(Leon Battista Alberti, 1404-1472)和莱昂纳多•达•芬奇(Leonardo da Vinci, 1452-1519)等艺术家的质疑。关键原因之一就是发现了中心透视法。这导致了艺术与数学之间的紧密联系，因为艺术创作现在要服从数学规则。

阿尔贝蒂和莱昂纳多认真研究了透视画法，并要求在他们的作品中提高美术作品的地位，特别是音乐。

阿尔贝蒂主要关心艺术之间的竞争。他认为绘画应该被赋予最高地位。作为人文主义的学者，他坚持认为画家不仅要有艺术天赋，还应该学习所有的自由艺术，尤其是几何。他在1435-1436年间关于绘画的理论论文中写道：“因此，绘画享有如此高的声望，以至于它的倡导者，考虑到人们对他们作品的赞赏，几乎倾向于认为他们在最大程度上与上帝相似。难道绘画不应该被认为是所有其他艺术的老师，或者至少是他们杰出的装饰吗？”阿尔贝蒂继续写道：“所以，这种艺术只要得到了培养，就会给人带来愉悦感；只有这样，它才能确保尊严、财富和永恒的名声，使其达到很高的声誉。鉴于此，绘画变成我们最好的和最尊贵的装饰的东西，值得自由的人，和同样受到博学的人的学习和喜爱。我更加着重于渴望了解他们的青年时期，可能会在最大可能的程度上转向绘画。”阿尔贝蒂作为建筑师而声名远扬，他将音乐数字比例应用到建筑中。著名的例子是他为里米尼的圣弗朗切斯科教堂（1453年）和曼托瓦的圣安德里亚教堂（1470年）的设计。

莱昂纳多将这个论点提到了一个更高的层次。他怀疑自由主义相对于美术的优越性。他对艺术和音乐的典范比较，导致要求艺术应享有同等地位。作为一名博学多才的学者，他在所有领域都有丰富的知识。据说莱昂纳多甚至设计了乐器，例如为米兰的洛德维科•斯福尔扎亲王设计的马头形状的银七弦琴等乐器。据说他也是一位杰出的音乐家。对于他那幅著名的《蒙娜丽莎》肖像中，他安排了音乐和唱歌，以鼓励主题显得开朗。莱昂纳多在他现在著名的论文《伊尔·帕拉贡》（Il Paragone）中详细介绍了绘画与音乐之间的关系：“如果您说非机械科学是知识性科学，那我就是说绘画是智力的，就像音乐和几何学考虑了连续量之间的关系，并算出不连续量之间的关系一样，绘画也考虑了明暗关系与透视关系的所有连续性质，以及距离的关系。”进一步说：“音乐只能说是绘画的妹妹，因为它是听觉的，是视觉之后产生的感觉，并且通过将比例合理且同时出现的部分组合在一起而产生了和谐。尽管它们被迫出现，并以一种或几种速度消失。这些节奏体现了构成和谐的元素的适度品质，与线条描述构成人类美感的元素的方式没有什么不同。绘画高耸入云并占据着音乐的主导地位，因为它并不是像不幸的音乐一样在创作后立即消失，而是相反，它仍然活着。因此，实际上只是表面而已的东西本身就是活物。哦，奇妙的科学，你让凡人的脆弱之美活着，它比自然的作品更持久，因为它们会随着时间的不断变化而变，必然变得陈旧。这门科学（绘画）与神性存在有关，因为其作品与神性存在有关，并且由于他的原因而受到崇拜。”

作为音乐和美术的共同基础，数学的特殊意义首先在镶嵌作品中得到解决。从15世纪末开始，唱诗班座位的木质包层和学者的研究表明，类似错视画的静物作品是由数学仪器、乐器、书籍和建筑景观组成。

像乔治·瓦萨里（Giorgio Vasari，1511—1574）一样，艺术家的履历可追溯到16世纪，一再报道了个人艺术家的音乐才华。其中之一是威尼斯画家乔乔尼（Giogione，1478–1511），他是一位热情的鲁特琴弹奏者，其神圣的歌唱和音乐演奏受到了崇高的敬意，以至于他被邀请参加贵族作为音乐家举办的著名活动。他在绘画中也谈到音乐。音乐是乔尔乔内（Giorgione，1477—1510）的一幅画中的中心主题，即《音乐会冠军》（约1510年，巴黎罗浮宫）。田园风光显示一个鲁特琴弹奏者在草地上休息，面对牧羊人，还有吹笛子的裸体女人。在图片的左边缘，另一个裸体女人正拿着一个水罐在一个石槽上。乔乔尼本身就是一位热情的音乐家，他在这里以音乐的灵感来表达田园风景，那里的城市音乐家受到神灵和牧羊人的艺术启发。音乐世俗化为主题的另一个例子是把我们带到罗马和16世纪末期。

乔尔乔内，«音乐会冠军» 

巴洛克式的世俗化和幻觉

16世纪，音乐的普及是世俗化进程的一部分，同时也是对生活中感官愉悦的有形提炼的主题。在绘画中，这一主题往往是对转瞬即逝的存在的讽喻。它很快成为当时风俗画中最受欢迎的主题。

意大利画家卡拉瓦乔(Caravaggio，1571-1610)提供了一个早期的例子。他曾在罗马的红衣主教弗朗西斯科·玛丽亚·德尔蒙特(Francesco Maria del Monte)那里住过一段时间，为他画了一幅半身像，画的是一群音乐家。在中间弹奏琵琶的年轻人被其他三个年轻人包围着，包括卡拉瓦乔本人，他被安排在琵琶演奏者的右边，看着观众。他手里拿着一只角。在左边的背景中，可以看到一个长着翅膀的丘比特和一根藤蔓。第四个人完全沉浸在乐谱的学习中。即使有人认为这些是来自红衣主教德尔蒙特随从的音乐家的画像，这些古老的服装也暗示了一种寓意，类似于乔尔乔内的画像。除了作品的同性恋本质，它的意义还包括对爱情和音乐的寓意。

卡拉瓦乔，《与音乐家合影》

在下一世纪，世俗题材的进一步发展导致了音乐静物画的出现。单独描绘的乐器以单独的画面出现，但也以人类感官的寓言循环出现。库存记录显示，这类周期安排在巴洛克式的艺术和古董室，这是现代博物馆的前身。这类展览展示了绘画和雕塑、填充的动物、植物标本、矿物、光学仪器等等。音乐静物画不仅描绘了当时各种各样的乐器，虚荣心使它们成为感官愉悦的虚荣心工具，实际上很简单地成为了人类短暂生命的寓言。

在无数巴洛克风格的绘画中，乐器都是在描绘放荡生活的背景下出现的。在旅馆里、在情人幽会里或在社交沙龙里播放的音乐成为一种道德上可疑的生活方式的象征。

在巴洛克风格的教堂中，建筑、绘画和雕塑最后一次在宗教条件下形成一种共生关系。它的目标是融合所有的流派，但也构成了使宗教内容过于肤浅的威胁。作为对反宗教改革的回应，天主教会的内部设计被重新设计，以加强宗教教化:高高的、拱形的中殿、色彩缤纷的绘画和雕塑装饰，以及用黄金装饰的风琴。天主教会以一种新的感性的绘画策略来回应新教对图像的禁令，这种策略不满足于呈现单一的图像，而是包括了整个教堂内部。这些设计元素在巴洛克式的强烈感官感和洋溢的情感基础上结合在一起，同时也体现了瞬息万变的理念。教堂的内部被看作是天堂的倒影，人们试图通过建筑、雕塑和幻觉壁画的相互作用来消解这个世界和下一个世界之间的界限。教堂中殿原本打算在它升起时张开，信徒的眼睛要转向天堂和热情的圣徒，所有这些都随风琴的声音而定。17、18世纪被誉为风琴制造的全盛时期。管风琴景观是在不同的建筑和礼拜仪式的要求下创造出来的:只有在礼拜仪式中，音乐编排和空间的艺术装饰才能融合在一起。这在一定程度上影响了现代主义的指导思想力量之一——理查德·瓦格纳（Richard Wagner，1813-1883）。

早期现代主义-瓦格纳的艺术博物馆

在19世纪，与美术相比,音乐获得了杰出的地位。在启蒙运动、法国大革命和一场席卷整个欧洲的战争之后，音乐的表达资源能够成功地传达给广大听众，让他们听到一种新的语言——尤其是贝多芬的语言。哲学家亚瑟•叔本华(Arthur Schopenhauer)对此评论道:“音乐是真正的公共语言，在任何地方都能被理解……但它不谈任何事情，除了幸福和不幸，什么也不谈，而幸福和不幸是意志的唯一现实。”

在这种情况下，一位音乐家试图将艺术与音乐自然地融合在一起也就不足为奇了，他就是瓦格纳。在他的论文《未来的艺术》(Das Kunstwerk der Zukunft)中，他构想了一种艺术的相互作用作为“总体艺术”（Gesamtkunstwerk）：“伟大的共同艺术，必须包含所有种类的艺术，以便在某种程度上利用每一种艺术作为一种手段，为了达到所有人的共同目的，即对完整人性的绝对、直接的表现而进行破坏，认识到这一伟大的共同艺术，不是作为个人武断的可能事实，而是作为未来人不可或缺的共同工作。”

理查德·瓦格纳，1873年拜罗伊特音乐节外观

瓦格纳认为作曲家贝多芬是“绝对音乐”的主人公，是这一乐章的领头羊。他将贝多芬的交响曲描述为“从音乐本身最特殊的元素中汲取音乐，使其成为通用艺术。它是人类未来艺术的福音。从中不可能取得任何进展，只有未来的完美艺术才能直接跟随一般的戏剧，贝多芬为我们锻造了艺术的钥匙。因此，音乐本身就产生了其他任何独立艺术都无法做到的东西。”

瓦格纳相信自己已经收到了这个艺术钥匙。他朝着他渴望实现的总体艺术奋斗，他在拜罗伊特（Bayreth）建造了节日剧院（Festspielhaus），专门为自己的表演而保留。乐团的演出，管弦乐队在一个隐蔽的坑中，使观众的注意力完全集中在音乐和舞台背景的相互作用上，这被视为电影表演的先驱。

瓦格纳的思想并非没有影响美术。莱比锡艺术家马克斯·克林格（Max Klinger，1857-1920）是他巨大文化影响力的杰出代表之一。在16年的时间里，他以超过10万马克的价格创造了他的彩色“贝多芬”雕塑。

古典现代主义-抽象的早期

瓦格纳的联觉思想成为现代主义基本发展之一：抽象的起点。声音和视觉感知的同步性（通过在拜罗伊特节日剧院上演）成为现实，对于那些准备为抽象绘画铺路的人们来说，这是一个新的挑战。除了弗兰提斯克•库普卡（Frantisek Kupka，1871-1957），米卡洛尤斯•什乌里翁内斯（Mikalojus Ciurlionis ，1875-1911）和弗朗西斯•皮卡比亚（Francis Picabia，1879-1953）之外，还包括俄罗斯画家瓦西里·康定斯基（Wasily Kandinsky，1866-1944）。回顾他在莫斯科的早年生活，康定斯基说：“但是，罗恩格林似乎是对莫斯科的完美认识。小提琴、深沉的基调和管乐器尤其体现了当时整个夜晚的力量。我在脑海中看到了所有的颜色，它们就在我眼前。狂野的、几乎疯狂的线条吸引着我。我不敢用瓦格纳在音乐中描绘的“my hour”这个词。但是我很清楚，另一方面，绘画可以发展出音乐所具有的同一种力量。”