学音乐制作的顺序和误区，我都帮你总结好了

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曾经我认识三位朋友，都想做个人原创，一位喜欢搜集宿主、插件和各类教程，后来他除了硬盘里满满几T的音源和教学视频，一首完整的歌也没有做出来。

另一位觉得应该先掌握好乐器才能学音乐制作，于是他买了一台一万多的电钢，一年后他确实可以演奏一些曲目了，但因为工作时间等问题，早已放弃了念头。

最后一个则是先了解了歌曲创作需要的技能，然后针对自己的情况制定了学习计划，每个月坚持完成一个目标，并发给音乐人朋友咨询改进的意见。如今写歌早已不是什么问题。

学音乐制作的顺序重要吗？当然重要。

明确自己的需求，理清学习顺序就相当于掌握了这门学科的大致体系，能够极大地提升学习效率。相反则会事倍功半，浪费不必要的时间。

笔者今天就以音乐制作为例，讲讲在不同技能版块中，学习由浅入深的顺序是怎样的，本文主要指明一个大概方向，大家可以在实践过程中逐步参考。

编曲

对于编曲来说，宿主操作和乐理固然重要，但最理想的还是能在实践中同时学习。要尽可能避免过度分散注意力，把精力落到实处，先体会整个流程，再查漏补缺找到自己欠缺什么技能，进一步深入。

1. 学习的初期：

在掌握关键知识后尽快开始制作，不要掉进某一个领域的坑里。

宿主软件操作：推荐Cubase，掌握Cubase的基础操作与钢琴窗操作的各类小技巧，录音/混音窗口的逻辑与操作，开始使用软件自带音色即可。

乐理和声方面：掌握基础乐理，如音名、节拍、调式音阶、三和弦、和声进行的概念即可。

掌握四大件基础：具体掌握的是，钢琴的音色分类与是如何进行演奏和声的，鼓的音色分类与常见演奏方式，吉他、贝斯同理，当你掌握完这些之后，就可以开始先进行撰写自己的原创作品了，然后在撰写的过程中，你可以边学习一些能让你曲子好听的小技巧添加进去。

比如如何用弦乐推进作品情绪，学习弦乐的和声规则、旋律写作思路、推情绪的技巧和过渡手法，直到最终完整地制作出第一首个人作品。

2. 学习的中期：

接触更多乐器的进阶写法，进一步学习乐理。开始接触更多风格，比如古风、爵士、摇滚等，准确把握风格之间和弦编配和乐器音色的差异。

学习更多的大型音源，掌握各类音源的使用技巧。学会使用小打，为作品添色加花。开始尝试接单，通过甲方的要求了解自己欠缺的知识和技能。

3. 学习的后期：

听更多的作品，并有意识地学习和借鉴优秀作品的长处。

开始逐步发展自己的专长风格和特色，专精一到两种风格，并且培养自己的风格特色，尝试制作出有一定影响力的优秀作品，开始向外部推广自己。

编曲常见的误区：

1.总是想要收集并搞懂所有音源。贪多嚼不烂，初学最好先掌握几款最重要的主流音源，等了解常用乐器的音色分布特点和弹奏技巧，把基础的编曲做好后，再慢慢地接触新音色，一步步完善自己的能力。

2.编得越满越好听。不考虑频段打架，拼命在作品中加各种音色，最后作品结构混乱，主次全无。点缀的乐器盖过了主旋律的表达。

3.为了“高级”乱用各种音。把音阶上的音用遍不是本事，用尽可能少的音符表意清晰才是高手。删掉声部里不必要的音，修改会出现不良音响效果的音，把要强调的音调节力度和位置突显出来。

4.认为必须先学好乐理才能开始编曲。结果发现枯燥的乐理书根本啃不下去，其实是可以在编曲实践中学习的。

5.盲目跟风鄙视链，拒绝学习。无论小苹果还是学猫叫，扪心自问同样的歌同样的曲风，自己来编是不是真的可以编的更好，如果答案是否定的，那么虚心一点，接着深造吧。

作曲

作曲在古典时期是旋律创作+和声设计+配器设计的统一，而到了现代，则主要是旋律创作与和声设计，负责把握一首音乐作品的基调。

作曲决定了一首歌的基础风格，直接限制与指导了作词与编曲的进行。好的作曲应该具备合理的曲式设计，符合风格的调式选择等等。

1. 学习的初期：

了解制谱软件或音乐宿主的基础用法，掌握一些钢琴或吉他软件的基本操作。

了解人声作曲的基本常识以及基础乐理。

掌握各种作曲技法，旋律音程的跨度对情绪的影响，学习部分常用和弦进行，并以此为基础创作旋律。

有条件可以学习一门乐器。

2. 学习的中期：

学会和弦的功能性以及对应的情绪特点。学习进阶和声，如九、十一、十三和弦的运用和效果，介绍和声语汇，学会自己编写和声走向并创作旋律。

了解不同民族音阶及爵士和声。试着创作一些稍微复杂的作品，比如男女双人对唱，多人合唱等等。

3. 学习的后期：

了解离调的运用和色彩推进感、和声密度对音乐情感的推动性。

精通各种风格，并设计个人特色。可以跟他人合作完整的音乐作品，借此扩大自己的名气。

作曲常见的误区：

1.认为通过书本就可以自学。市面上贩卖的很多官方作曲教材，都是为音乐学院上课配套的，需要老师实际演奏与讲解。必须要选对自学的教材，不然很容易陷入学习的误区或是钻牛角尖。

2.认为马上就会有成果。学习作曲是比编曲、混音等学习周期更长、成果更难显现的一个过程，并非一年半载就会有较大的成果。好的作曲家往往有历经五到十年的审美积累。

3.认为作曲靠的是灵感。灵感型创作者的产出很不稳定。成熟的创作者必须具备丰富的理论知识和充足的音乐素材积累，保证哪怕是在缺乏灵感的情况下，都能创作出水准之上的作品。

4.认为作曲和作词是脱离的。为歌曲作曲，更多的时候要考虑到人声和语言的特点，限制旋律段落的长度，给作词者更大的空间。如果不管不顾地随意作曲，后期将会给双方带来极大的修改负担。

5.对古典或近代经典不屑一顾。很多作曲者为了追求效率，会听大量流行歌曲总结套路。事实上，每个时代都有非常优秀的作品，其中包含的作曲者的思维和经验都是值得我们学习的。

混音

混音与编曲有很多知识是互通的。对于编曲师来说，如果能提前做好预混，设计好乐器的音色和整体的平衡，出来的demo会好听很多，往往能拿到更多的单子。

对于混音师来说，懂一点编曲，了解各种乐器的技法以及声音特点，能在这条路上比一般的混音师走得更远。

1. 学习的初期：

掌握一种宿主的基本混音操作，了解人声的处理方式，包括降噪、音高修正、Auto-tune、节奏修正。

学会各类效果器的基础用法，频谱仪，EQ，激励器，压缩器，混响，延迟。

了解母带的功能和臭氧的综合应用。

对混音有个大概了解后，根据需求选择适合自己的监听、声卡、麦克风等设备。

2. 学习的中期：

学会通过混音的角度判断编曲的质量，学会如何判断音色组合的好坏。

了解键盘类乐器、节奏木吉他、独奏木吉他、节奏电吉他、独奏电吉他、电贝司、架子鼓、民族乐器以及其他常见音色的混音技巧。

3. 学习的后期：

学习多轨混音思维，建立适合自己的混音模板。

了解如何在母线轨上搭建电平监测和音染效果链，学会编组通道Group以及VCA通道推子的应用，接触通道条的使用和技巧。

开始掌握各种风格的混音特点，如rnb，摇滚，古风等。

学习母带的音轨处理以及效果器的使用。掌握进阶插件的使用。

混音常见的误区：

1.调参数总是大开大合。避免大幅度的参数调整，一般缓慢的调节，听其中的效果，找到自己想要的效果是最好的。比如增幅eq，如果一下调的幅度太大，很容易放大不必要的杂音。

2.认为低音乐器没必要低切。很多人认为，低音乐器提供的是低频段内容，其实恰恰相反。大多数作品的混音问题，往往都是低音部分频率太丰富，导致整体听起来比较浑浊。所以，正常情况下，bass和底鼓该切就切，千万不要留情。

3.推崇昂贵的设备。前端、耳机，其实入门级的插件和硬件完全够用了，混音最重要的是练耳和审美，买一副价格适中的音箱或耳机，省下来的钱可以去购买各种课程，提升实力才是最好的投资。

4.过度添加效果器。很多声音或音轨可能根本就不需要加效果器，但新手总是习惯把每一个效果器都加上，每个效果器都调一遍，想找到“不一样的效果“，反而导致最终听感一塌糊涂。

5.别被混音的套路限制思路。类似“混音十大套路”“风格参数模板”，不弄清套路的逻辑、无脑照搬，最后只能是照猫画虎。

作词

作词也就歌词的创作。一方面文字功底不可或缺。另一方面，应对各类曲调风格有所了解，也就是要具备不错的音乐素养。

好的作词是与歌曲的旋律有机地结合在一起，因此对声调音韵的把控十分重要。

1. 学习的初期：

明确以主题为核心的创作法，对时间、地点、人物、事件等基本事件进行设计。了解资料的高效查阅和筛选方法，将知识转化为具体写作。

2. 学习的中期：

在练习写歌词的时候，可以去学习和研究华语作词领域的专业词人。当然，也不能被名人的套路限制思维，要善于独立思考，融合不同的风格。

3. 学习的后期：

进一步积累自己的作词风格，打造个人的作词风格和特色。同时也要把握机会，多跟优秀的音乐人合作，积累一些代表作品。

作词常见的误区：

1.容易把词写成散文诗。散文诗与歌词不同，只要感情恰当，格式怎么样都无所谓。如果不考虑结构对称，相应的旋律也会缺乏章法，歌曲整体就会显得很凌乱。

2.主题不明确。没有一种明确的感情、态度、人物形象和事件，或表述十分零散，想到哪写到哪，让人不知所云。

3.为押韵而押韵。初学者很容易为了押韵而押韵，这是非常不好的习惯，很容易导致整首歌词缺乏主题，拉低格调。

4.内容枯燥，缺乏文学性。歌词也是文学作品的一种，恰当地使用比喻、拟人等修辞手法，会为歌词添色不少。

5.不注意实际演唱的效果。很多高音的地方如果不避开闭口音的词汇，很可能导致后期歌手录音时唱不上去。同时，词与音符搭配唱出来最好和说话的语调接近，可以为作品增色不少。

选修科目

1. 乐器

音乐制作最基础的四大件，钢琴、吉他、贝斯、鼓，代表了音乐制作的基础方向——钢琴和吉他代表了和声，贝斯代表了低音，鼓代表了节奏（当然，广义上来说，钢琴吉他贝斯也可以作为节奏乐器）。

学习乐器可以帮助我们了解乐器的真实的演奏方式，对和声、低音、节奏进行产生更深的理解，从而写出更有质感的编配。

总的来说，乐器虽非音乐制作的必修课，但是如果有条件，一定两手都要抓，两手都要硬。良好的乐器修养可以帮助你突破音乐制作的瓶颈。如果你有一门自己精通的乐器，建议继续精进，把乐器写作变成自己的招牌特色。

2. 录音

这里主要讲卧室音乐人四大件的录音。特别要强调的是，高端设备对高手来说是如虎添翼，但初学者并非一定要买了劳斯莱斯才能学车。

重要的还是多学习，多操作，熟练自己的每一件设备，尽可能制作出高质量的demo。

录音常见的误区：

1.随意摆放话筒。每一款话筒都有固定的收音指向，录音时最好正对话筒的指向进行录制，并对其指向范围内可能造成回声和混响的问题进行控制。使用前一定要看看话筒说明书。

2.录人声时总觉得离话筒越近越好。这样容易造成人声的低频明显高于正常值以及人声的动态范围过大。混音的时候有各种方式可以将人声变得更厚实、更有特色，所以没必要把话筒放得太近。

3.追求贵价的录音设备。高价的设备有时候带给我们的并不是更好的声音，而是不同的“质感”。最好有一定的审美水平，明确自己的需求后，再考虑购买相关设备。

4.使用有“音效”的声卡进行录音，或使用很多前置效果器。这些声卡是直播用的，并不是专业的录音声卡，录出来的也不是干声。所谓的干声应当是未经过任何处理的人声。

5.不处理房间中的混响。想录出好的声音，良好的声学环境也很重要。事实上处理房间中的混响成本并不高，一个卧室大概需要五、六百块钱购买吸音棉，就可以达到不错的效果。

学音乐制作有什么职业出路？

1. 个人接单：

现在很多音乐人都选择在家独立接单，比较类似自由职业。虽然收入相对坐班工作会更不稳定，但同时也有了更多的时间支配权，可以布置专属工作环境，也可以有更多的时间去学习和提升自己的能力。但是，自我管理也是个人接单的难题，很容易出现昼夜颠倒、饮食混乱等问题。

2. 配乐师：

主要分为影视配乐和游戏配乐。国内游戏公司对配乐的需求量较大，薪资也还不错。配乐师跟编曲师有相似也有不同：一个是为故事或画面服务，一个是为旋律服务。总的来说，这是一个门槛比较高的职位，需要较高的职业素养与丰富的行业经验，职业。

3. 职业出路支线：

音效设计（强调零基础也能学）：我认识的一个朋友，为了学习音效，去学习了很多声音设计原理、电子音频理论等等。这些知识对完整的知识体系构建当然是有用的，但是这些知识没有对应的场景，是设计不出好的音效的。多看电影，多玩游戏，注意搜集和分析音效，搜集网上的音效库。如果动手能力较差，找一个业内的前辈或老师带路也是不错的。

写在最后

音乐是一门知识结构严谨的学科，只要掌握正确的学习方法和顺序，并且愿意投入一定的时间与精力，想做出一定的成绩并不困难。但是，一定要分清学习的主次，如果总是东学一点西学一点，最后可能什么也没学成，还把刚入行时最宝贵的热情和时间都白白浪费了。

在学习的过程中，一定不要羞于向同学或前辈请教，尤其是刚开始接触音乐制作，要多花一点时间，了解自己究竟想做什么，又应该学习什么。不然总是凭借自己的猜测盲目摸索，很容易越走越弯（听起来怪怪的），越走越错。

学音乐制作的顺序和误区，我都帮你总结好了

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